Reseña de ópera del Festival de Glyndebourne 2023: El progreso del libertino

No hay nada trillado en los diseños de Hockney en el duodécimo avivamiento

La producción de John Cox y David Hockney de “The Rake's Progress” para Glyndebourne seguramente puede presumir de ser la puesta en escena de mayor duración en el Reino Unido. Esta temporada cumple 48 años y se encuentra en su duodécima reposición entre Festival y Tour, sin mencionar los numerosos préstamos de la producción a casas de prestigio internacionales. Presumiblemente, sólo algunos de los espectáculos de Zeffirelli para el Met podrían competir con este nivel de longevidad.

La ovación que recibió Hockney y Cox al abrir el telón habló del profundo afecto que tanto el teatro como el público tienen por este extraordinario encuentro de disciplinas artísticas en esta producción en particular. La partitura camaleónica de Stravinsky, los versos gélidos e ingeniosos de WH Auden y Chester Kallman y las tensas y repletas imágenes escénicas de Hockney crean esto.

Increíblemente, fue la primera producción de ópera de Hockney. Desde entonces, sus visiones de “La flauta mágica” y “Tristán e Isolda” han sido aclamadas en otros lugares. Pero esta se ha consolidado como una de las visiones definitivas del cuento moral de Stravinsky, basada en las pinturas satíricas de Hogarth de la década de 1730, que anclan gran parte del bloqueo y el gesto de la producción de Cox.

Después de casi cinco décadas, el público todavía se queda boquiabierto cuando se levanta la tela frontal. Las experiencias de Hockney en Estados Unidos informaron su propio conjunto de paneles hogarthianos de 1961 a 1963. A pesar de la superficie de la pieza del siglo XVIII, tanto en el respeto por el vestuario como en la partitura basada en números, sus experiencias refuerzan el hecho de que es en gran medida una pieza. sobre la modernidad consumista. Auden y Stravinsky pasaron mucho tiempo en Estados Unidos, por supuesto. Estaban familiarizados con aires decadentes, distantes y superficialmente sentimentales.

Los decorados y el vestuario grabados de Hockney rebosan vida. Los accesorios y muebles están llenos de enérgicos sombreados cruzados. Las líneas son atrevidas y los patrones son geométricos. El texto serpentea en otros lugares en caprichoso contraste mientras la razón y la fantasía se mantienen en tensión. El cálculo frío está salpicado de repentinos estallidos de sensualidad y comedia enérgica. Por ejemplo, el travieso reloj del burdel de Mamá Oca, o las travesuras de Baba el Turco destrozando la vajilla en el desayuno. Es el esquema monocromático de la impresión del siglo XVIII lo que ofrece un telón de fondo siniestro a medida que uno se acerca cada vez más a la confrontación mortal de Tom en el cementerio. Los estallidos de rojo y verde están reservados para los excesos salvajes de Tom, a medida que aumentan su riqueza y su vileza. La barba morada de Baba el Turco es una maravilla. La impresión predominante es la de energías poderosas y esforzadas, canalizadas por conjuntos inclinados con ángulos agudos y poderosas líneas horizontales. Dentro de todo esto, está la historia del ascenso y el declive. Está contado de forma tan sencilla, como cabría esperar, de una producción que debutó en 1975.

Existe un grave riesgo de que el diseño eclipse a la ópera. Sin embargo, la mezcla de precisión, capricho y extravagancia de Hockney fue un filtro tan perfecto para la propia estética de Stravinsky que esto fue impedido. Las imágenes escénicas fueron tan impactantes y poderosas que engendraron un cambio en la forma en que entendemos “El progreso del libertino” como una obra de teatro. Por ejemplo, la tela frontal cumple una importante función dramática. Las pausas entre escenas, con la anticipación de lo que se revelará y que aumenta cada vez, crean la impresión de un conjunto de paneles o cuadros iconográficos. Son fundamentalmente de naturaleza estática, aunque no carente de dramatismo. Examinamos los fabulosos detalles de la misma manera que lo haríamos con los vibrantes dibujos animados del propio Hogarth. La propia tela frontal nos prepara para hacer esto, cuando uno se vuelve, con la casa iluminada, hacia su compañero y se burla de las fascinantes imágenes de Hockney.

Examinamos la pieza como si estuviéramos en una galería, con el mismo tipo de distanciamiento que tiene la partitura de Stravinsky hacia sus diversas fuentes operísticas, examinadas con meticulosa inteligencia. Esto se ve favorecido por el sencillo bloqueo y movimiento de Cox, a pesar de las escenas de multitud vivaces y desenfrenadas como la subasta o la llegada de Baba el Turco a la casa de Rakewell. En resumen, es una reunión ideal entre diseño, texto y música, aunque menos “inmersivamente teatral” que otras producciones de la obra. O, de manera más general, los hábitos actuales de “Personregie”, que buscan la inmediatez y la intensidad psicológicas. Quizás esto tenga un costo oculto.

Thomas Atkins hizo un Tom Rakewell muy atractivo. Su estatura vocal desarrolló, después de un comienzo ligeramente abrupto, a medida que avanzaba la actuación. Era un intérprete extremadamente encantador, que saltaba por el escenario o se alejaba con frustración y hastío con entusiasmo. Su enfrentamiento en el cementerio estuvo entre los momentos más destacados. Atkins cantó con celo desesperado y su tenso vibrato envolvió notas redondas de intensidad acerada. Quizás el canto más especial lo guardó para su escena en el manicomio. Transfigurado por la ilusión en Adonis enamorado, Atkins hizo maravillas con su voz principal y su falsete. A veces se mostraba vidriosamente frágil, como si estuviera al borde de las lágrimas. En otras ocasiones se mostraba cremoso, indulgente y perdido en sus visiones de Venus.

Su antagonista es Sam Carl, con voz fructífera, como Nick Shadow. Carl alterna una voz de cabeza plumosa y fantasmal, como algo sacado de “Erlkönig” de Schubert. Tiene un registro más bajo como tinta, que es picante, indulgente y más que un poco portentoso. Sus notas altas, especialmente en la escena del cementerio, eran oscuras y bronceadas. No se roba todas las escenas como lo hace una Sombra, y es algo dramáticamente frío. Sus gestos podrían ser más grandes y generosos, especialmente cuando se relaciona directamente con el público, para establecer el centro de gravedad carismático. Pero vocalmente es una interpretación elegante y deslizante.

Louise Alder es una Anne Trulove perfectamente calibrada. Ella es un excelente complemento de la inquietud juvenil de Rakewell en sus movimientos y acciones. Alder está más tranquilo y arraigado, un centro de claridad moral en medio del tumulto. Más que inocente o infantil, la confianza de Anne se manifiesta principalmente en su seguridad vocal, la fuerza en sus acciones y la solidez de su propósito. “No hay noticias de Tom”, vio el personaje totalmente realizado. Ella mostró una maravillosa variedad de colores. La coloratura en “I go to him” era acerada, con notas altas decididamente enfocadas, sin perder riqueza ni intensidad por encima del pentagrama. La dicción de cristal tallado de Alder contribuyó a dar una impresión de absoluta determinación. También hubo control sobre su ternura, en una sensacional canción de cuna final, con un suave "Adiós".

Baba el Turco de Alisa Kolosova compartió con Anne Trulove cierta sabiduría nacida de la experiencia, junto con su charla maníaca y una presencia imperiosa en el escenario. Su parloteo de ametralladora era hipnóticamente seguro y pronunciado con claridad y una notable uniformidad de tono. Después de ser descubierta en la escena de la subasta, su mezzo alcanzó alturas majestuosas y furiosas. El breve papel de Rupert Charlesworth como Sellem es un deleite descarado y efervescente. Actuó maravillosamente y dibujó juguetonamente su flexible instrumento para obtener una gama de colores y texturas. Mother Goose de Carole Wilson también hizo un giro dominante, la matriarca de hierro con un guante vocal de terciopelo.

El Coro de Glyndebourne tiene una forma ágil, adelgazada para las proporciones neoclásicas de la ópera y sobresale en los numerosos solos destacados en la escena de las subastas. De hecho, su precisión musical, con armonías retorcidas retorcidas a la perfección, se corresponde con algunas de las actuaciones y movimientos más animados de la velada. Ya sea en el burdel de Mamá Oca o en la subasta, el coro cumple. En la penúltima escena del manicomio, están inquietantemente quietos en sus silos y con una voz igualmente extraña. Transfigurados por máscaras, adoptan el desapego vidrioso y directo de un coro griego. Es sobrenatural y lamentable.

Robin Ticciati, director musical de Glyndebourne, regresa al escenario con la Orquesta Filarmónica de Londres (LPO) para esta reposición. Este verano y el pasado, en partituras de Poulenc, ha demostrado una comprensión intuitiva e incisiva del neoclasicismo de posguerra. La partitura de Stravinsky, toda armonías picantes y lirismo arcoíris, quiere tanto ingenio como suavidad, sin dejar nunca que la ropa estilística que el compositor se pone en varios puntos se convierta en una pantomima llamativa. Los diseños de Hockney, además, son demasiado precisos para eso. La presunción y la pantomima en su realización musical, “oh, entiendo esa referencia”, le roban a la pieza sus momentos realmente sinceros y aflojan los temas tensamente concebidos del drama.

El relato de Ticciati es sereno y pulido. Nunca es algo estridente como un espejo de casa de risa. Sin embargo, podría representar algo de la misma angularidad y nitidez en el ataque y el contraste de textura que la imagen escénica de Hockney, canalizando su maravilloso rayado cruzado. El juego de cuerdas es genial y el lirismo de la partitura seductoramente distante, aunque nunca sin corazón ni ternura. Esto se ve especialmente en los estribillos de “Gentilmente, gentilmente, pequeño bote”. Se espera que tocar desde el LPO sea exigente, con un solo de trompeta especialmente pensativo que narra la llegada de Anne a la casa de Rakewell, y un solo de flauta molto semplice en la canción de cuna de Anne. La forma de tocar el clavicémbalo de Matthew Fletcher, maníaca en el enfrentamiento en el cementerio, fue absolutamente brillante. “Rake's Progress” de Glyndebourne cumplirá 50 años en 2025 y parece seguro que seguirá siendo un elemento habitual mucho más allá.

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Por Benjamín Poore